Javier Rodríguez Lozano: Biografía de un Mentor en el Arte Contemporáneo

El trabajo de Javier Rodríguez Lozano (Madrid, 1992) se distingue por un profundo interés en lo formal y lo simbólico. Desde el inicio de su carrera, su entorno cotidiano y todo lo que le rodea le han servido para desarrollar un discurso complejo sobre lo que comúnmente pasa desapercibido: lo ordinario, lo común, o lo que Georges Perec definió exhaustivamente en su libro póstumo, "Lo infraordinario".

Como él mismo explica: “Mi labor trata de complejizar esa parte cercana e ignorada de nuestro imaginario diario, consiguiendo espacio para su re-apreciación.

Primeros Proyectos y Enfoque Artístico

Ya en 2018, presentó el proyecto "Lope de Rueda 31", donde llevó a cabo una minuciosa labor antropológica al centrarse en los felpudos de los vecinos de su edificio. Estos objetos, a menudo pisoteados e ignorados, que marcan la línea entre el espacio privado y el público, le sirvieron para una sugerente catalogación de las costumbres domésticas.

El resultado de esta observación fueron óleos sobre lienzo donde los diseños de los felpudos, sintetizados y trasladados al plano pictórico, fueron sobredimensionados o empequeñecidos y completamente descontextualizados de su lugar de origen.

¿Pueden los objetos definirnos?

Influencias y Formación

Durante su último año (2013-2014), Javier tuvo la oportunidad de estudiar en Múnich, en la Akademie der Bildenden Kunste, en la Klasse de Jean Marc Bustamante. Ahí entró en contacto con algo mucho más “real” que lo que había conocido en el ambiente académico en Madrid. Comencó a discernir lo que significaba ser artista, las cosas buenas y malas.

Al mismo tiempo, el ambiente de la Akademie era mucho más maduro; de repente me tuve que enfrentar al lienzo en blanco -no necesariamente de una manera literal-, buscar mis intereses e indagar en ellos, algo para lo que no había tenido tiempo ni espacio aquí, en Madrid.

Aun así, al volver no lo tenía del todo claro, y por ello llevó a cabo varias prácticas, primero en una galería, y luego como asistente de Ángela de la Cruz en Londres. Lo primero me ayudó a ampliar mis miras y entender una parte importante en la vida de un artista: sus relaciones con las galerías.

La segunda me ayudó a ver el funcionamiento de un estudio grande en una de las ciudades claves. Al volver lo tuve más claro, entre todas las opciones que me dejaba aquello a lo que había dedicado tiempo durante esos años, la de artista era la que mejor se adaptaba a mí.

Lo que me atraía de pequeño de este mundo era, por un lado, la materialidad y fisicidad de las experiencias que engloba… y, por otro lado, lo idealizado y al mismo tiempo estúpido o extraño que puede resultar ser artista en España. Para mí a veces es una vía de escape.

Comencé trabajando en torno a lo “natural”, buscando las dicotomías que flotan dentro de ese concepto, sus relaciones con lo “humano” o “artificial”. Sin embargo, ese interés fue mutando poco a poco en otra cosa. Fui atendiendo a los detalles de las cosas que suceden alrededor.

Proyectos Destacados

En los principales proyectos que he llevado a cabo, creo que hay varios puntos en común. Atiendo a pequeñas historias que suceden en lo cotidiano y a las que no prestamos mucha atención, donde hay una fuerte presencia de lo material, lo gestual o lo espacial. Estos gestos que pasan al principio desapercibidos se van magnificando, o bien se diluyen en el ambiente.

Uno de sus principales proyectos, "Enlaces de escarabajo", tiende a ocupar un “espacio entre artistas” de manera física y simbólica, creando pequeñas conexiones en un contexto muy específico.

De los proyectos que ha realizado hasta ahora, Javier destaca dos: uno bastante reciente y otro en el que aún se encuentra inmerso. El primero, "Enlaces de escarabajo", que ya os suena familiar, lo llevó a cabo específicamente para los XXVII Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid. El proyecto de Javier, como recordaréis quienes visitasteis Circuitos, se exhibía intercalado entre las propuestas del resto de artistas seleccionados, y esa era su gran riqueza: la trabajada conexión, eludiendo lo fácil, con el resto de las obras expuestas y también con el lugar de exhibición dado.

Mi proyecto consistía en una serie de piezas (21 en total), con aspecto rocoso, de colores pastel -una suerte de meteoritos-, que iban surgiendo a lo largo de todo el espacio expositivo.

En ellas iban incrustados diferentes objetos que referenciaban el resto de proyectos. Así, por ejemplo, en el caso de Federico Miró, que tenía unas pinturas que indagaban la relación entre el tapiz, lo artesanal y motivos vegetales en clave natural-artificial, las piezas que referenciaban ese proyecto tenían una tela con una planta bordada, y una planta artificial.

Por otra parte, la fase previa a la instalación, la de búsqueda de los objetos, entablar las conexiones, formalización de las piezas, decidir dónde y cómo iban a ir colocadas.. fue muy interesante, pues evidentemente tuve que hacerlo una vez los proyectos fueron escogidos, siendo mis piezas las últimas en realizarse.

De ↷ , ↶ , ↺ (hacer, deshacer, repetir)

Remite a esos gestos cotidianos de los que hablábamos al principio, en cuyas huellas, diversas e inesperadas, no solemos reparar, y también incorpora reflexiones sobre el valor dado a la pervivencia de nuestros gestos:

El proyecto se basa en dos acciones repetidas muchas veces: pintar y borrar. Las piezas consisten en graffitis, tags, pintados y borrados sobre losas de mármol.

El proceso de estas piezas surge de algo que sucede a nuestro alrededor de manera cotidiana y a lo que no prestamos mucha atención, una suerte de lucha inútil: estas pintadas son hechas en la calle para o bien ser borradas (y ser pintadas de nuevo, y borradas, y pintadas y…), o bien caer en el olvido y desmejorarse con el paso del tiempo o el clima, invitando así a pintar algo encima de nuevo.

De ese modo, lo que hago en este proyecto es recopilar una serie de tags en mi día a día, firmas con pseudónimos, ilegales, que a priori carecen de valor simbólico, pero que al mismo tiempo responden a algo muy básico del ser humano, el querer dejar su impronta por donde pasa. Además los gestos caligráficos entroncan directamente con la historia de la pintura.

Es ahí donde el título del proyecto opera con un doble sentido: por un lado las flechitas del título son las gestualidades dentro del pintar y el borrar, por otro lado, esas mismas flechas simbolizan las acciones llevadas a cabo (rehacer, deshacer, repetir última acción), en programas como Photoshop o Word; encapsulan de una manera simple, todo ese proceso.

En función del mármol usado (Markina, Rosa Portugués…), van quedando una serie de palimpsestos, de fantasmas, pues al ser un material poroso, la pintada no se puede quitar del todo. Lo que voy haciendo al crear estas piezas es ir pintando tags o fragmentos de otras pintadas mayores, ir borrando y escogiendo trazos, residuos que van quedando, de esa manera voy componiendo.